Director: Gaspar Noé
Writers: Gaspar Noé, Lucile Hadzihalilovic
Stars: Nathaniel Brown, Paz de la Huerta and Cyril Roy
A drug dealer becomes interested in death and re-incarnation after reading "The Tibetan Book of the Dead". Suddenly dead, his soul floats though Tokyo observing the dramas of his friends and foes. An oath determines his next step 'as a soul'. (IMDB)
Tráiler
Es llamativo como el realismo visceral de Gaspar Noé se encuentra contenido por primera vez en el marco de una historia con un elemento sobrenatural. En una entrevista el director reveló que lo impulsó "el deseo de retratar en la pantalla lo que la gente llama una experiencia fuera de sí". Esta ambiciosa idea está filmada en primera persona, enteramente desde la perspectiva de Oscar - su protagonista -, de forma que nosotros vemos lo que él ve; tanto que hasta la cámara pestañea cuando él lo hace.
Noé cuenta que trató varias veces de manera infructuosa de alcanzar este tipo de estado a partir de la lectura de libros sobre como salir de tu propio cuerpo. En la película, esta experiencia comienza a través de la ingesta de drogas y se prolonga con la muerte y la elevación del alma del personaje. Así, situada en Tokyo, Enter the void (literalmente 'Entrar al vacio') relata la historia de Oscar y su hermana Linda. Él un dealer de poca monta, ella bella e ingenua, devenida en stripper y jalada de a poco hacia un mundo marginal.
Después de perder la vida, Oscar se queda en este mundo cual alma en pena y su fantasma recorre los cielos de Tokyo, siguiendo a su hermana de cerca, y yendo de cuando en cuando a revivir su pasado. La película va y viene del pasado al presente, y por momentos puede desconcertar este infinito loop, este eterno retorno, que ya ni sabemos si se trata de algo que pasa o que pasó.
Visualmente la cinta es impactante. De lo más virtuoso y mejor logrado que el cine nos ha dado en este siglo. Sin duda una perfecta evolución de la cámara giratoria de "Irreversible". La cámara se la pasa volando por encima de la cabeza de los personajes como si fuera un globo a merced del viento.
En palabras de Noé, la película no es otra cosa que un “melodrama psicodélico”. Deudora de sus propias experiencias con las drogas, Tokyo parece haber sido el lugar perfecto para filmarla, entre tantas luces de colores y carteles de neón, que adornan la ciudad bajo un manto de lisergia constante.
Comparada con sus dos largos anteriores es sin duda su película más experimental. Aunque hay que decir que tanto virtuosismo y culto a la forma va en desmedro de ideas profundas de fondo que puedan aunar todo el guión, como sí sucede en sus realizaciones previas.
Art Ensemble Of Chicago
Lester Bowie - trumpet /
Roscoe Mitchell - saxophone, percussion /
Joseph Jarman - saxophone, percussion /
Malachi Favors Maghostut - bass, percussion /
Famoudou Don Moye - drums, percussion
A principios de los 80 tuve la fortuna de verlos en directo en el antiguo Palacio de los Deportes de Madrid, y literalmente, flipé. En realidad, lo único que conocía del grupo fue un LP que me compré hacía poco ("Nice Guys", publicado en 1979 por ECM) que se saldaba, junto con otras maravillas (por ejemplo, el "New Chautauqua" y el "American Garage", de Pat Metheny), en su edición española, a cargo de Edigsa.
Art Ensemble Of Chicago live in 80s
La grabación está disponible en YouTube, en 7 partes, por gentileza de BibiAudiofil
"...When he played, he was speaking: cello was his voice..." (Elena Rostropovich) Excelente documental sobre uno de los mejores intérpretes de violoncelo del siglo XX
Y como "pequeña propina", la grabación completa de las 6 Suites (Sonatas) para Violoncelo de Johann Sebastian Bach, BWV 1007-12, en versión de Miroslav Rostropovich
Personal:
Ira Schulman (Tenor Saxophone, Piccolo Flute, Flute, Clarinet)
Ron Starr (Tenor Saxophone, Flute, Clarinet)
Joe Roccisano (Alto and Soprano Saxophone, Flute)
Ruben Leon (Alto and Soprano Saxophone, Flute)
John Magruder (Baritone Saxophone, C and Bass Clarinet, Flute)
Don Ellis (Trumpet)
Alan Weight (Trumpet)
Bob Harmon (Trumpet)
Ed Warren (Trumpet)
Glenn Stuart (Trumpet)
Dave Sanchez (Trombone)
Ron Myers (Trombone)
Terry Woodson (Trombone)
Mike Lang (Piano, Electric Piano, Clavinet)
Alan Estes (Vibraphone, Percussion)
Mark Stevens (Vibraphone, Timbales, Percussion)
Dave Parlato (Bass)
Frank De La Rosa (Bass)
Ray Neapolitan (Bass, Sitar)
Steve Bohannon (Drums)
Chino Valdes (Congas, Bongos)
Don Ellis (July 25, 1934 - December 17, 1978) was an American jazz trumpeter, drummer, composer and bandleader. He is best known for his extensive musical experimentation, particularly in the area of unusual time signatures. Later in his life he worked as a film composer, among other works contributing a score to 1971's The French Connection and 1973's The Seven-Ups. (Machinegunhalligan YouTube)
01. Let's go down to Lucy
02. L-O-V-E
03. Gypsy Queen
04. Love Each Other
05. Shape Your Mind to Die
06. Boom-boom-boom
07. China Doll
08. C.C Rider
Review by Thom Jurek (AllMusic)
The late Leon Thomas was a vocalist who has proven to be influential among jazz and blues saxophonists, guitarists, and pianists, who've admitted their debt to his innovation. However, though there are many jazz and blues vocalists who have benefited from his style as well, he is seldom acknowledged for his highly original -- and idiosyncratic -- contribution to them. One can only speculate as to why, though Thomas' full-throated style which employed everything from yodels and Joe Turner-ish growls and shouts may have been too wide for anyone to grasp in its entirety without overtly sounding as if they were aping him. At the time of this reissue (2001), the only other Leon Thomas titles available under his own leadership were a European best-of collection and the inferior live album (badly edited), Sunrise on Gold Mountain. Blues and the Soulful Truth is among the artist's most enduring performances, either as a leader or sideman. There is his trademark, otherworldly modal improvisation on Gabor Szabo's exotica classic "Gypsy Queen," the deep, greasy gutbucket, funky blues of "Let's Go Down to Lucy" and "L-O-V-E," and the traditional tune "C.C. Rider" though Thomas' arrangement is anything but among a lengthy, eight-song set. Perhaps the most revealing examples of his singularity is his ability to interpret a song like John Lee Hooker's "Boom, Boom" as funky, jazzed-out, angular R&B enabled mightily by the saxophone stylings of Pee Wee Ellis and the criminally under-appreciated pianism of Neal Creque and the wild violin of John Blair after coming out of a pop-oriented soul tune such as "Love Each Other," written with a groove prevalent among commercial jazz and R&B recordings of the time, both sounding sincere, authentic, and completely full of the singer's presence. Indeed, on the aforementioned "Gypsy Queen" or his own "Shape Your Mind to Die," Thomas inhabits his material fully, as if nobody ever had ever sung or heard these songs and would ever sing them again. Also, the production innovation and percussive touches many of these tunes have yet to be repeated (Pharoah Sanders, Thomas' previous employer who introduced the singer to the world, adopted some of the artist's percussive techniques permanently), like the firecrackers raining against Airto Moreira's drums and Larry Coryell's ethereal guitar riffs, or the use of a "prepared" vibraphone and coat hangers in "China Doll," as they slip against the singer's wail and moan, and the elegant stick and brushwork of Bernard "Pretty" Purdie.
In sum, Blues and the Soulful Truth (Which does echo Oliver Nelson's Blues and the Abstract Truth in vision as well as title), is a tour through the depth and dimension of Thomas' mind-blowing abilities as a singer in a wide range of African American musical traditions, proving at the time, and now again, that he was far more than a free jazz singer. Indeed, the artist not only was a stylist of originality, but a composer, arranger, ethnomusicologist, and a singer of startling beauty and power -- no matter the song. This album is a singular achievement, even among the fine recordings in Thomas' own catalogue, and should be considered first by those curious enough to look into his work -- you won't be disappointed no matter what you find, but this one will take you places you never anticipated going.
Dr. John
(De Wikipedia, la enciclopedia libre, marzo 2012)
Datos generales
Nacimiento 21 de noviembre de 1940 (71 años)
Origen Nueva Orleans, Estados Unidos
Ocupación Cantante, músico
Información artística
Género(s) Blues, rock, R&B
Instrumento(s) voz, piano, teclados, guitarra
Período de actividad 1950-presente
Discográfica(s) Atco, Blue Note
Artistas relacionados John Mayall's Bluesbreakers
Sitio web Dr.John.org
Dr. John (también conocido como Dr. John Creaux) es el nombre de Malcom John Rebennack Jr. (Nueva Orleans, Luisiana, Estados Unidos, 21 de noviembre de 1940), un pianista, cantante y compositor estadounidense cuya música se extiende, y a menudo combina, los géneros del blues, del boogie woogie y del rock and roll.
Biografía
Infancia y raíces musicalesNacido en Nueva Orleans, Luisiana, la carrera musical de Dr. John comenzó en su ciudad natal a comienzos de los años 50. En un principio, se concentró en la guitarra, ofreciendo conciertos con bandas locales bajo el nombre de Mac Rebbennack and the Skyliners, Frankie Ford and the Thunderbirds y Jerry Byrnes and the Loafers. Dr. John obtuvo cierto éxito a nivel local con el tema "Storm Warning", publicado en Rex Records en 1959 e influido por Bo Diddley.
La carrera de Rebennack como guitarrista se truncó cuando su dedo anular fue herido en un disparo mientras defendía al teclista y cantante Ronnie Barron, compañero de grupo y amigo de la escuela. Tras la lesión, Rebennack se concentró en el bajo antes de hacer del piano su instrumento principal. Entre las influencias musicales de Rebennack en el piano se encontraba Professor Longhair.
En 1963, Rebennack se trasladó a Los Ángeles, donde respaldó como músico de sesión a artistas de la talla de Sonny & Cher o Canned Heat.
1968-1970: Dr. John the Night Tripper
Rebennack adquirió fama a finales de los años 60 y comienzos de los 70 con música que combinaba el R&B de Nueva Orleans con el rock psicodélico y elaborados conciertos que se acercaban a ceremonias religiosas de vudú, incluyendo elaborados trajes y peinados. Durante la época, Rebennack adquirió el mote de "Dr. John, The Night Tripper", procedente de una médico vudú de Luisiana de comienzos de 1800.
Gris-Gris, su álbum debut de 1968, cominaba cánticos y ritmos vudús con la tradición musical de Nueva Orleans, y fue situado en el puesto 143 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos en la revista musical Rolling Stone. Otros tres trabajos de estudio, Babylon, Remedies y The Sun, Moon and Herbs, fueron publicados en el mismo sentido de Gris-Gris, si bien ninguno obtuvo la popularidad del primero.
A comienzos de 1969, Dr. John ofreció extensos conciertos, apoyado por músicos como Richard Didymus Washington (congas), Richard Crooks(batería), Dave Johnson (bajo), Gary DeSoto (guitarra) y los cantantes Eleanor Barooshian, Jeanette Jacobs y Sherry Graddie. Una segunda alineación para tocar en la Costa Este de los Estados Unidos incluyó a Doug Hastings a la guitarra y a Don MacAllister a la mandolina.
Con la publicación de The Sun, Moon and Herbs y la participación en el álbum de Eric Clapton y Mick Jagger, Dr. John adquirió una notable reputación. El álbum sirvió para una transición entre el Dr. John psicodélico y un Dr. John más cercano al R&B y al funk de Nueva Orleans. Su siguiente trabajo, Dr. John's Gumbo, acabó derivando en una grabación histórica considerada como uno de sus trabajos más populares.
1972-1974: Gumbo, In the Right Place y Desitively Bonnaroo
Junto con Gris-Gris, Dr. John es ampliamente reconocido por sus trabajos publicados entre 1972 y 1974. El álbum de 1972 Dr. John's Gumbo, que abarca varios clásicos del R&B de Nueva Orleans junto a una única composición original, es considerado como una piedra angular en la música de Nueva Orleans. En su autobiografía de 1994, Under a Hoodoo Moon, Dr. John escribió: "En 1972, grabé Gumbo, un álbum que fue tanto un tributo como una interpretación de la música con la que había crecido en los años 40 y 50. Traté de mantener los ligeros cambios característicos en Nueva Orleans mientras trabajaba mi propia guitarra y mi popio piano". El principal sencillo del álbum, "Iko Iko", alcanzó los primeros cuarenta puestos de las listas de Billboard. En 2003, Dr. John's Gumbo fue situado en el puesto 402 de la lista de los 500 mejores álkbumes de todos los tiempos elaborada por la revista musical Rolling Stone.
Con Gumbo, Dr. John amplió su trayectoria más allá del vudú psicodélico que había impulsado su carrera desde que se había introducido en el personaje de Dr. John. No fue hasta el álbum de 1998 Anutha Zone cuando Dr. John volvió a concentrarse en el aspecto de la música en su totalidad para un trabajo completo. "Después de grabar un nuevo disco", escribió el músico, "decidí que había tenido suficiente de aquello, de modo que lancé al vertedero la rutina de Gris-Gris y trabajé en un nuevo acto, un Mardi Gras con los clásicos de Nueva Orleans que habíamos versionado en Gumbo".
En 1973, con la producción de Allen Toussaint y el respaldo de The Meters, Dr. John publicó el álbum In the Right Place. En la misma rutina que Dr. John's Gumbo amplió su reputación como músico a la hora de versionar los clásicos de Nueva Orleans, In the Right Place hizo de Dr. John uno de los embajadores del funk de la ciudad. Sobre el álbum, Dr. John escribió: "In the Right Place tiene un mayor sentimiento de dance en comparación con otros que había hecho en el pasado, aunque quedó anclado en el R&B". El álbum alcanzó el puesto 24 en las listas de Billboard, con el sencillo "Right Place Wrong Time" alzándose hasta el puesto 9 de la lista Billboard Hot 100. Un segundo single, "Such a Night", alcanzó el puesto 42.
Dr. John intentó capitalizar el éxito de In the Right Place colaborando nuevamente con Allen Toussaint y The Meters en su nuevo trabajo, Desitively Bonnaroo, publicado en 1974. Similar a In the Right Place, obtuvo un éxito menor en comparación a su predecesor. Desitively Bonnaroo supuso el último álbum de estilo funk hasta la publicación en 1994 de Television, si bien la influencia del vudú y del R&B tradicional de Nueva Orleans, así como el funk, continuó en gran medida apareciendo en sus trabajos, especialmente en sus conciertos.
Trabajos recientes
Dr. John en el festival "Jazz à Vienne" en 2006.A mediados de los años 70, Dr. John comenzó a centrarse en una música más cercana al blues, al R&B y a los clásicos del Tin Pan Alley. Por otra parte, explotó su faceta de músico de sesión, tocando para grupos a lo largo de su carrera como The Rolling Stones en el tema de 1972 "Let It Loose", así como en el dueto de Carly Simon y James Taylor "Mockingbird" en 1974. De forma similar, contribuó a la canción "More and More" para el álbum de Carly Simon Playing Possum. En 1977, coprodujo el álbum de Van Morrison A Period of Transition, donde también tocó los teclados y la guitarra. El 19 de marzo de 1977, Dr. John apareció en el programa de la NBC Saturday Night Live. Posteriormente, salió de gira con Willy DeVille y contribuyó a sus álbumes Return to Magenta, Victory Mixture, Backstreets of Desire y Big Easy Fantasy.
Dr. John apareció, asimismo, en el documental de Martin Scorsese El último vals (donde se unió a The Band para interpretar su canción "Such a Night"), además de en el musical Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, inspirado en The Beatles. En la película Blues Brothers 2000, Dr. John se une a la banda de ficción The Louisiana Gator Boys para interpretar las canciones "How Blue Can You Get" y "New Orleans". Su versión de la canción "Season of the Witch" fue también incluida en la banda sonora de la película.
En 1982, Dr. John escribió e interpretó la versión cinematográfica de Cannery Row. En 1993, su canción "Right Place Wrong Time" fue utilizada en la película Dazed and Confused. El mismo año, Dr. John participó en el Franco Folies Festival en La Rochel, Francia. En 1997, apareció en el single benéfico de Lou Reed "Perfect Day".
En septiembre de 2005, interpretó el tema de Fats Domino "Walkin' to New Orleans" para cerrar el teletón Shelter from the Storm: A Concert for the Gulf Coast en apoyo de las víctimas del huracán Katrina. En noviembre del mismo año, publicó el EP Sippiana Hericane con el fin de recaudar fondos para la Clínica de Músicos de Nueva Orleans y la Fundación de Jazz de América. El 5 de febrero de 2006, se unió a Aaron Neville, Aretha Franklin y a un coro de 150 miembros para cantar el himno nacional de Estados Unidos en la gala de la Super Bowl como tributo a Nueva Orleans. El 8 de febrero de 2006, se unió a Allen Toussaint, Bonnie Raitt, The Edge y Irma Thomas para interpretar "We Can Can" en la ceremonia de clausura de los Premios Grammy de 2006.
En enero de 2008, Dr. John fue inducido en el Salón de la Fama de la Música de Louisiana.
Comenzando con B. B. King in London, del 1971, Dr. John toca en varios discos de B. B. King.
Discografía
"Storm Warning" / "Foolish Little Girl" (1959)
Gris-Gris (1968)
Babylon (1969)
Remedies (1970)
The Sun, Moon & Herbs (1971)
Dr. John's Gumbo (1972)
In The Right Place (1973)
Desitively Bonnaroo (1974)
Hollywood Be Thy Name (1975)
City Lights (1978)
Tango Palace (1979)
Dr. John Plays Mac Rebennack (1981)
The Brightest Smile in Town (1983)
Such a Night! Live in London (1984)
The Ultimate Dr. John (1987)
In a Sentimental Mood (1989)
Goin' Back to New Orleans (1992)
Television (1994)
On a Mardi Gras Day (1994)
Afterglow (1995)
Trippin' Live (1997)
Anutha Zone (1998)
Duke Elegant (2000)
Funky New Orleans (2000)
Creole Moon (2001)
All By Hisself: Live at the Lonestar (2003)
N'Awlinz: Dis Dat or d'Udda (2004)
Live at Montreux, 1995 (2005)
Sippiana Hericane (2005)
Mercernary (2006) (Blue Note 54541)
Right Place, Right Time: Live at Tipitina's - Mardi Gras '89 (2006)
The City That Care Forgot (2008)
Dr John - Funky New Orleans 1991
Track Listings
1. Hu-Ta-Nay
2. Big Chief
3. Shave 'Em Dry
4. Ja-Ki-Mo-Fi-Na-Hay
5. Mamzelle Zizi
6. Livin' On Borrowed Time
7. You Ain't So Such A Much
8. Hu-Ta-Nay
9. Walkin' Home
Personnel:
Dr. John (Mac Rebennack) (Piano, Guitar, Vocals and Whistling)
Donald Harrison Jr. (Alto Saxophone)
Stephen Scott (Piano)
Dwayne Burno (Bass)
Carl Allen (Drums)
Harol "Smiley" Rick (Percussion)
Donald Harrison Sr. (Vocals) - 1
Cyrus Chestnut (Piano) - 1
Phil Bowler (Bass) - 1
Dr. John is in rare form on this live disc, recorded with the Donald Harrison Band at NYC's legendary Birdland. Some of these songs are straight-forward blues numbers, while others are Mardi Gras chants given a jazz workout. Taking a break from the piano bench, the good Doctor plays guitar and growls out voodoo mumbo-jumbo while the rhythm section keeps the pulse pounding. This is easily Dr. John's best album since "Goin' Back to New Orleans" (and that's saying something, since he's released 4 or 5 good records since then). Outstanding tracks include the gambler's tale, "Shave 'Em Dry," and "Jac-A-Mo-Fi-Na-Hay," which takes a phrase from his classic "Iko Iko" and reworks it into a whole new song. This album is a stellar combination of deep, swampy funk and tight jazz ensemble playing. And you can't go wrong with an album that contains the following lyric: "I'm only 38 / My woman's 93 / My friends all think I'm crazy / But the will's made out to me!" Highly recommended.
